Infiorescenza by Lida Sherafatmand

Reception

L’infiorescenza è un concetto artistico influenzato dalle condizioni sociali e spirituali. Si tratta del risultato di anni di ricerca della pittrice.

L’infiorescenza, come la parola suggerisce deriva dalla 'flor' (parola latina per il fiore) e porta un doppio significato:

a) i fiori reali come il soggetto fisico principale nella pittura;
b) la fioritura come una metafora usata in molte culture e lingue per simboleggiare il fiorire di un individuo o di una civiltà.

Il linguaggio floreale nei dipinti viene ripreso da dove Georgia O'Keeffe (1887-1986) abbandonò la pittura dei fiori, ma aggiunge un tocco di finezza da miniature contemporanee persiane di Mahmoud Farshchian (nato nel 1930), e dalla spiritualità. I pensieri filosofici che ispirano il lavoro, provengono dalla ricerca accademica di scienze sociali riguardo le proposte degli studiosi sul tema della  pace, del passato e del presente, unendo le menti dell’Oriente e l'Occidente.

Provenendo originariamente da una civiltà (la Persia) - dove la poesia domina anche la vita quotidiana e anche nei momenti difficili di manifestazioni pubbliche - credo di aver ereditato questo patrimonio della scrittura poetica. Dunque, questa è una breve poesia per esprimere la spiritualità in questo modo di dipingere:

L’infiorescenza

La fioritura della persona,
L’infiorescenza del potenziale umano,
La bellezza della persona,
La bellezza della fioritura,
La bellezza dei fiori,
La fioritura del cuore umano,
Il fiore dell’anima umana,
La fioritura della mente umana,
Delicatezza;
La delicatezza di un fiore,
La delicatezza del cuore umano,
La delicatezza dell’anima umana,
Il tocco nutriente,
Il calore,
Il calore dei rapporti umani,
le radici arcaiche,
le Radici del calore,
le radici comuni.
le radici della bellezza,
La Bellezza della natura,
la Bellezza della vita,
La vibrazione di bellezza,
La vibrazione dell’infiorescenza,
La mente, il cuore, l'anima
E il corpo,
Fioritura…

Lida Sherafatmand 2016

 

Sono nata in Iran nel 1977. Da bambina ho testimoniato sia la rivoluzione islamica del 1979 che gli otto anni di guerra Iran-Iraq. Sono partita dall’Iran dopo la guerra del Golfo del 1991. Khorramshahr, la mia città natale, fu completamente distrutta, alcuni membri della famiglia e gli amici sono morti, sia nei bombardamenti e sia nelle esecuzioni da parte del regime teocratico appena formatosi. Vedendo persone che muoiono in guerra e a causa delle esecuzioni, mi sono chiesta perché noi esseri umani non possiamo vivere in pace felicemente e cantare, ballare e godere della presenza di un l'altro invece di vivere questo modo violento e orrendo di agire. La ricerca intellettuale per rispondere a queste domande, e il desiderio del mio cuore di vedere la gente felice, così come la mia sensibilità estetica e la passione per il bello, mi hanno portato a dipingere quello che dipingo oggi.

Durante la ricerca della la mia autenticità come pittrice, e l’approfondimento della comprensione della bellezza, così come la nostra connessione con la bellezza come gli esseri umani, sono venuta a scoprire le opere del professore Vilayanur S. Ramachandran sulle origini evolutive dell'arte e dell’ estetica, la scienza cognitiva della l'arte, e la neurologia dell'esperienza estetica degli esseri umani.
La pittura dell’infiorescenza è (finora) costituita da otto pilastri principali nelle sue caratteristiche visive che coincidono con ‘le otto leggi dell'esperienza artistica’ che V.S. Ramachandran e William Hirstein spiegano nella loro teoria neurologica d'arte (2011). È attraverso questa comprensione neurologica che ho potuto costruire i pilastri visivi, che possono trascendere le barriere culturali, educative, lo status ed altri ostacoli sociali per gli spettatori (e me stessa come la loro creattrice) durante la connessione all'opera d'arte.

Ecco le caratteristiche visive:

1- La moltiplicazione dei fiori:

Il gran numero di moltiplicazione dei fiori che con la prospettiva crea la profondità delle immagini, crea un senso di abbondanza e di crescita. Si tratta di un modesto tentativo di creare uno spazio che faccia da contrappeso alla sensazione di scarsità e la paura in tempi di crisi economica. Centinaia o a volte migliaia di fiori danno un senso di inondazione e surplus.

2- La direzionalità e movimento:

I fiori ripetuti scorrono in una direzione, la ripetizione delle loro forme oltre a creare un morbido ritmo, guida anche gli occhi verso l'interno al punto di infinità nell'immagine (il punto di infinità verrà spiegato di seguito) e verso l'esterno, alla superficie. Allo stesso tempo, questa direzionalità e movimento ricollega uno allo spostamento fisico effettivo e dunque un senso di progressione ed evoluzione, un flusso e un prodigio.

 

3- Il punto di infinità e di luminescenza:

Quando i fiori si muovono più lontano, divengono definiti meno chiaramente e praticamente scompaiono in una zona di luce bianca, quasi come quando i sette colori dell'arcobaleno diventano la luce bianca perdendo la loro distinzione gli uni dagli altri. Quella luce misteriosa rappresenta la radice comune ancora sconosciuta che affiora ogni volta che cerchiamo di andare in profondità nelle cose. Il più profondo si va meno distinta questa diventa; anche i significati e le definizioni perdono i loro elementi distintivi tra cui le nostre parole nella lingua. Questa luce misteriosa a come un punto di infinità ci porta dunque faccia a faccia alla nostra profondità di interconnessione e al legame comune in cui nulla sembra distinguibile quando andiamo in profondità, c'è una sola entità che comprende. Ci si potrebbe chiedere il motivo per cui il punto di infinità non si presenta nero come le galassie infinite fittamente scure; dunque il motivo è il nostro riconoscimento neurologico arcaico della luce come vita, come illuminazione, come divino, e una forza pura, una memoria collettiva (A. Mahlberg, 1987), che da tutto il mondo le persone sembrano essere connessi tra di loro. Ma la scurità totale – colore nero - è vista come la perdita di vita, perdita di speranza e di energia, come una fine. Dunque la luce è vita continua, mentre l'oscurità è la sua fine. Il punto di infinità al quale mi riferisco in questi dipinti è una profondità di vita di cui non conosciamo né un inizio né una fine che da ciò la nostra conoscenza si presenta oggi; quindi la luce - la luce bianca - lo rappresenta alla nostra conoscenza.

4- I simboli antichi del calore e della bellezza:

La presenza dei simboli arcaici antichi del calore e della bellezza spesso appaiono nell'immagine complessiva. La Fenice, il piumaggio del Pavone, e la Madre della Compassione sono praticamente presenti in tutte le opere in un modo o in altro. Questo ricollega alle radici dell'umanità, le nostre radici comuni di civiltà come gli esseri umani attraversando la nostra evoluzione con i ricordi comuni. Questi antichi simboli arcaici sono frutto delle lunghe ore di meditazione e danza che pratico durante il processo di verniciatura.

 

5- L’immaginario meditativo:

Durante il collegamento al potere della fantasia e profondità del silenzio attraverso la meditazione, e la danza spirituale, l'immaginario matura  negli occhi della mia mente in modo da entrare in risonanza con il desiderio del cuore della fioritura delle persone (me stessa  e gli spettatori). Scrivo anche le poesie, ogni pezzo descrive un momento della visione a parole. Ma il desiderio del cuore e la messa a fuoco è una preghiera 'scritta' nel dipingere attraverso l’immaginario. In qualche modo questo processo richiede l'immagine in un punto in cui un effetto meditativo viene creato anche per gli spettatori. Infatti, i dipinti sono stati utilizzati alcune volte durante sessioni di meditazione, sedute di yoga, e anche sessioni di ritiro di preghiera da parte di gruppi religiosi, al fine di consentire ai partecipanti di entrare in contatto con la voce del loro cuore.

William Blake ha scritto testi illuminati dal punto di vista spirituale. In ammirazione del suo lavoro, ho pensato di integrare la poesia nel quadro immaginario per sé, producendo anche le poesie verbali.

 

6- La struttura complessiva organica:

Proprio come i dipinti di Georgia O'Keeffe, il disegno floreale domina il disegno complessivo della composizione, anche se i piccoli fiori sono dappertutto, ma nel complesso la struttura costituisce ancora un disegno semplificato di carattere organico. Questa struttura floreale organica riconnette la persona alla natura e alle sue forme di vita. La maggior parte delle forme dei fiori ci ricordano le linee sensuali quando sono osservate da vicino; questa sensualità è posta in un'aria di purezza dove la bellezza domina in un modo che tocca l'anima, provocando in tal modo il rispetto e l'apprezzamento della bellezza della natura.

I fiori in se stessi molto spesso sono considerati un simbolo per la donna, e in un mondo dove un tocco morbido femminile sembra quasi carente o fuori equilibrio rispetto alla presenza maschile, questi fiori intendono  controbilanciamento.

All’inizio può sembrare alquanto strano essere influenzata da due maestri apparentemente così diversi come Georgia O'Keeffe e Mahmoud Farshchian. Ma In realtà, una spinta comune ai due che mi attira ai dipinti di entrambi, come  donna di origine persiana, è la loro espressione dolce, pura e raffinata della donna. Mahmoud Farshchian ritrae donne persiane in tutta la loro maniera delicata, poetica e gentilezza che si trovano infatti alla profondità della civiltà persiana. E Georgia O'Keeffe ritrae la donna come un fiore dando ampio spazio alla bellezza sacra della natura, che mi ricollega alla cultura trascendente del mondo.

7- Le tavolozze di colori vivaci:

Le combinazioni di colori utilizzati sono dominati con vivacità, e questo è l’emanazione di uno spirito di vita che si rinnova e provoca freschezza.

 

8- Le pennellate controllate ma espressive:

Proprio come le miniature persiane di Mahmoud Farshchian, l'uso intricato e grazioso delle pennellate sono usate come i movimenti aggraziati controllati dei ballerini. La danza che faccio durante gli intervalli di pittura mentre preparo un pezzo, mi aiuta a far emergere ulteriormente questo effetto, perché oltre all'espressione spirituale della danza, cerco di disciplinare anche i miei movimenti fisici e tecnici, così liberamente espressivi ma controllati. Questo uso di pennellate controllato ma espressivo è per riflettere un modo coscienzioso di esprimere se stessi, chesi tratti di rabbia, di gioia, d’amore o risentimento, non a scatenar le nostre emozioni in tutte le direzioni senza alcuna considerazione per il destinatario che è il nostro ambiente ricettore. Questo esercizio serve per esprimere la dolcezza rispettosa premurosa verso il pubblico.

 

Tutti gli otto pilastri suddetti possono essere identificati in modo coerente in tutte le opere. Ogni colonna visiva è la riflessione e risultato di uno strato di ricerca in questione. Allo stesso modo ogni singolo tratto di pennello è fatto con la messa a fuoco del cuore, della mente e del corpo a causa della meditazione e la danza nel processo di verniciatura.

Il risultato si intende una risonanza di crescita e fioritura del potenziale umano, e la considerazione degli altri come il nostro ambiente ricevente; un richiamo alla bellezza come una radice nostra che sembra esserescollegato da gran parte delle attuali produzioni artistiche; richiama la dolcezza e il calore, e provoca la bellezza già innata in noi ad emanare nella nostra vita in profonda unione con la bellezza della natura. Stimola anche un senso di abbondanza invece che di scarsità, la quale infonde la paura. È allo stesso tempo una posizione di contrasto al terrorismo, rispondendo attraverso un linguaggio delicato.

Questo modo di dipingere, con le sue procedure meditative e di danza, è un modo artistico per trasmettere la fioritura del potenziale umano, la riconnessione alla nostra bellezza, la ricchezza del nostro spirito, il rispecchiare un'immagine della vastità e la bellezza dell'anima e della mente degli spettatori. Questo è specialmente in risposta al terrorismo odierno ed alla crisi economica attraverso la nostra abbondante intelligenza creativa.

Quando dentro di noi è tutto dominato dal risentimento e dalla paura, poco spazio è lasciato per trovare soluzioni delicate, approcci creativi, e poco spazio è lasciato anche al godimento della nostra esistenza come individui e comunità. I rischi ambientali sono anche il risultato della nostra disconnessione dalla natura, durante la quale nei modi che abbiamo trovato per andare avanti abbiamo trascurato la rilevanza della conservazione della natura.

A questo punto, invece di creare l’arte che solleva la consapevolezza circa le crudeltà e l'ambiente, o un'economia distrutta, questa creazione dell’arte diventa un'azione in se stessa, con la creazione di uno stato d'animo e di spirito che permette di emettere soluzioni creative e calore; un contrasto che incoraggia lo sviluppo delle persone come un modo di procedere. Il dipinto, essendo espressione di quella fioritura, spingendo la nostra intelligenza a fiorire, contribuisce a creare un'atmosfera che riflette lo spirito di fioritura.

 

È un contrasto alla terrore degli attacchi terroristici, un contrasto alla scarsità della crisi economica, un contrasto alla disconnessione dalla natura, un contrasto alla violenza contro le donne, dove la dolcezza femminile manca nella sfera pubblica.

 

Al fine di trovare soluzioni pratiche che consentono il calore e la crescita nei nostri rapporti internazionali, prima dobbiamo essere in uno stato d'animo che permette questo tipo di soluzioni. Come recita il famoso Preambolo dell'Atto Costitutivo dell'UNESCO "Poiché le guerre cominciano nelle menti degli uomini, è nelle menti degli uomini che si devono costruire le difese della Pace." Uno stato d'animo del terrore non consente il pensiero creativo non nocivo. Permettere un ambiente che abilita la mente è importante. Le opere d'arte esposte in pubblico diventano parte della nostra realtà fisica, emotiva e intellettuale, e quindi hanno un ruolo nell’ ambiente circostante, anche se indiretto.

Il fatto che i fiori sono belli, freschi e sereni, non significa che essi non esistano  nella realtà e non facciano parte del nostro ambiente esistente; non sono solo le bombe che costituiscono la realtà circostante. Naturalmente le bombe hanno un potere molto  dannoso e violento rispetto ai bellissimi fiori, ma ciò non li rende più reali delle belle parti della nostra vita. E proprio perché il terrore sta scorrendo nel panorama internazionale non significa che il calore non sia raggiungibile.

 

Un esempio per rendere questo più facile da capire è vedere che le persone sono riuscite a inventare aeroplani dopo essere riusciti a provare la sensazione del volo e hanno iniziato a progettare aeroplani. Questa arte di fioritura è un tentativo modesto di contribuire a riflettere la possibilità della  fioritura di persone a diventare una realtà tangibile nel nostro ambiente. Essendo nella nebbia della guerra, la malattia, la fame, l'analfabetismo, uno spirito di speranza è uno spazio di libertà raggiungibile all'interno di ogni persona, e in quella speranza si trova più la forza per trovare il modo di sviluppo e di 'fiore'.

Io dipingo il calore e la bellezza dell'anima nelle mostre pubbliche di esposizione internazionale, cercando di dare più potere e spazio alla bellezza (Nicholas Roerich 1930) ed alla speranza, piuttosto che la distruzione e il terrore, sperando che prima nel nostro spazio personale e, successivamente, in ambito pubblico e nelle relazioni internazionali, inizieremo a sperimentare il calore e la crescita in modo tangibile.

 

 

Lida Sherafatmand

Agosto 2016

 
Lida Sherafatmand

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